录音/混音

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话筒放大器的使用

话筒放大器的使用

话筒放大器，简称“话放”，是对话筒输入的信号进行放大的设备。
无论我们把话筒插在调音台上，声卡上，或是卡拉OK机上，这些设备都有一个（或多个）话放，
还有一种是独立工作的话放，它只负责把话筒信号放大并且进行一些必要的处理，
然后变成线路输出信号再输出出去。这种独立工作的话放一般来说是比较全面并且专业的，
我在这里只讲这种话放，以及数字调音台上所带的话放。
这种话放通常带有以下功能：1、压限器；2、EQ；3、扑声消除器；4、嘶声消除器；5、噪声门。
我个人比较偏好使用其中的压限器和嘶声消除器，其他的都在后期缩混时再作。

首先，我们先将话筒线与话放连接好，并通过正常的声音测试调整话放输入电平。
以人声为例，让歌手跟着伴奏正常的演唱，并调整输入电平，使声音峰值不超过设备的截断电平即可。
第二步：调整压限器，我这里只是向大家说明压限器在针对人声以及一些简单乐器时的使用原则。

最至关重要的一个原则就是：使用压限器的目的不仅仅是压缩声音的动态，使其具有强大的表现力和丰满度，
更加不能忽略的是－－压限器的使用不能让听众听出“痕迹”，也就是说，一首歌，或者一件乐器，
如果你录出来以后让人感觉到声音出现以后有一个被压缩的过程，那么，就是你使用压限器的失败。

那么怎么做到不被听众听到压缩的痕迹呢？
我仍然以人声举例：
当歌手演唱的是一首慢歌，那么声音的要求在绝大部分的情况下是流畅，稳定。
在压限器上，要作的就是适当降低启动时间，增加恢复时间，降低阀值，并且增加压缩比，
我通常使用的经验是：启动60ms左右，恢复150ms左右，阀值-20db左右，压缩比为4：1或6：1。当然，这个数字不是一定的，不同的人声、不同的设备等等不同的条件，
都会产生不同的压限器调节，这要靠大家自己去实践。

当歌手演唱的是快歌的时候，需要的是声音爆发力强，并且干净，不拖泥带水。
在压限器上，要作的就是适当延长启动时间，减低恢复时间，提高阀值，并且使用更加大的压缩比。
我通常使用的经验是：启动150ms左右，恢复50～20ms左右，阀值-8db左右，压缩比为8：1～10：1。

在前期录制人声的时候，没什么可能把声音的动态一次性都调整好，在后期缩混的时候肯定还要继续调整。
至于嘶声消除器，大部分的话放上比较简单，只需要设定门限和消除量即可，
嘶声消除的重点是要使声音不因为处理而变的浑浊就可以了。

至于录其他的乐器，在调整压限器的时候把握一个重点就是：
所有的声音经过压限器的处理之后都尽量不要带有压缩过的痕迹，都要流畅，才好。

动态与压缩器
问题：录制人声音轨时总是感觉不到位，听起来有点太硬，又显得太软，始终得不到足够的冲击力。

解决方式：首先控制该轨道的动态，衰减最大波峰与平均电平间的那一部分。这样做的目的是控制人声音轨，得到丰满而有冲击力的音色。同时，最大波峰值降低后，整体音量又有了提升的余地。这就是为什么该用压缩器。在音频软件中，你可以衰减一些峰值，因为有很多最大峰值可以适当削减，但对音质并无影响。
缺陷：通常，音轨的动态受到控制后，声音会因动态的收缩而产生张力，但同时高频也会随之损失，声音会显得呆滞、黯淡。有得必有失嘛！所以，压缩器的调整在正式录音前必须反复试验。这有时候的确很费时间的，但随着经验的逐渐丰富，完全可以凭直觉来测定。(哈哈，到那时候又要玩创意了。可别小看压缩器的处理能力，高手绝对可以在压缩器上玩音色创意的！)

对于初玩压缩的朋友，这里简单地介绍一下压缩器的使用方法，也请高手们指正！

1.压缩器上设置： Ratio= 2.51 attack= 10ms(毫秒) Release= 150ms(毫秒) Gain= 0dB 如果可以选择SoftHard档，则选Soft。

2.一边试音一边仔细听，慢慢调Threshold，直到发现声音开始有变化了。这完全凭你的听力，有一对好耳朵就占了不少便宜。不过大多数压缩器上有指针显示，通常Threshold值在-5dB与-20dB之间，视实际情况定。

3.把压缩器调到Bypass档，仔细比较原信号与压缩信号的不同。这里可以把Gain适当提升(但要非常谨慎)，以均衡音量差异。然后继续调Threshold，直至满意。

4.要得到较丰满的音色，可以试着逐渐提升Ratio。如果经验不够足的话，劝您调试时不断比较原信号与压缩信号的差异。(用Bypass即可) Ratio值通常在21与81之间，无特殊目的一般不会超过101。过压缩(OverCompressing)只会导致声音干涩、无生气。(这点切记！)

5.如果在声音的段落间听到因压缩器产生的静噪，可以适当提升Release时间，当然也可以再提升一点点Threshold。如果发现有些声音变得“口齿不清”，没有自然的棱角，则可以调节Attack时间，或适当衰减一些Ratio。

压缩器的使用很大程度决定于你的经验和听力，以上方法并不是绝对的！如果有机会，应该尽可能多比较一些压缩器的工作情况，真正的经验也是此而来的。一位好的制作人员首先就该有非常强的职业敏感性。几乎每个优秀的录音师、制作人都有自己的一套工作方式，观察他们的工作步骤，从中学到的要比书本上的多很多很多。
软件压缩器现在也非常多，有些的确非常棒。不过记住，软件压缩器一般作为中、后期制作时用。即，录音结束后使用。对于象我一样家里买不起压缩器的来说，软件压缩器真是救星！(因为以我的经验，压缩器就得买高档的，否则实在不如不买。压缩器又是价比天高的东东，哎...)

从使用方式看，和硬件压缩器没太大区别，毕竟原理是相同的。而且，现在很多音频处理软件(如SoundForge，Cool Edit pro，WaveLab)都有音频统计分析功能，可以帮你处理一些难以凭耳朵判断音色特征，再者，您还可以对不同的段落做不同的压缩处理。如果你非常习惯看波形的，那更好，一看波形显示结果，就能判断出哪些波峰可以适当衰减，比调硬件压缩器“舒服”多了。然而缺点是，前期录音设备要尽可能好一些。(失真度，机器本身造成的各种增益、衰减，信噪比，拾音动态，这些指标都要尽可能好一些。)否则，一失足成千古恨！后期有很多地方很难在电脑上改的，除非你对音频理论、规律和音频软件非常有技巧，那的确也可以“偷梁换柱”。
所以，和传统录音一样，录音前你必须仔细考虑好你需要什么音质？留出多少余地给后期制作？(后期制作时，因为首先强调整体效果，有时不得不对人声或乐器的音色再做修整，如果前期录音不做充分考虑，往往后期就麻烦了！)

限制器是一种特殊类型的压缩器。10比1或更高的压缩比一般规定为限制动作，因为输出电平波被有效地箝位在门限电平。对良好的限制来说，最基本的要求是动作要快。恢复时间一般在0.1秒到1秒范围内。
多段压缩器
典型的多段压缩有3到5个频率段可以调。3段式是最为常见的：低频、中频、高频。通常说来，3段式是够用的，如果需要更多可调频段，其实参数均衡效果器往往更显好用。不管怎么说，节约制作时间还是很重要的，所以，尽可能不要把事情复杂化。也因为如此，为自己建立一套完整Mastering工具方案也显得不可小视。
不同的处理器连接顺序和方式，得到的最终结果也会不同。这种一个一个处理器的连接在英文里叫做“Chain”。最常见的连接方式可以这样(软件和硬件都一样)：

1 Pre-multiband compressor EQ 前置多端压缩均衡器
2 Multiband compressor 多段压缩器
3 Post-multiband compressor EQ 后级多段压缩均衡器
4 Loudness maximizer 响度放大器

压缩的使用在没有绝对把握的情况下只能从最小的压缩率开始，不要试图“一步到位”。
哪怕一些经验丰富的工程师，也只会凭经验选则压缩量，然后经试听后才下结论。在混音过程中，永远不会有什么“绝对”，任何的操作只为最终结果负责。
进行压缩一般是从底限电平开始考虑的。这个底限电平意味着压缩只对这个电平以上的声音进行处理。还有一种较为常用的压缩底限方式，不是采用电平，而是频率；即，压缩器对这个频率以上的频段才会产生作用。但现在越来越多的压缩器(特别是数字化的压缩器)会同时提供这两种参数供调整。做压缩之所以从较低的电平开始，是因为压缩器此时可以充当“激励器”的作用，即：可以把电平较低的高频呈现出来。不过，这样的压缩方式有时候对低电平的高频段会显得“过于有效”了，所以，在压缩前，对高频的提升(通过均衡器)不要太张扬，一定要适可而止，甚至有所保留。(这很大情况下依赖于经验，因为实际情况往往千差万别，无法一概而论。否则就不需要有专人来做，设计一个程序就行了。)

采用压缩器对于高频也同样可以扩展高频的力量分布，以起到淡化高频的目的。但是要注意，这种手法比较适合与较短促的高频音色，如：Hi-hat。高频是非常脆弱的，频率强度的微小变化都会改变这个音色的特征，而对于短促的音色而言至少在听觉上要相对缓解很多，所以，对于持续性的高频就不太合适了。
高频的另一重要特征就是：如果电平不是很高，那么它更容易被其他频段所“吞噬”。所以这样的音色通常需要加强它的峰值量，以保证它在没有被吞噬前就有个“露脸”的机会。

使用专业的压缩器或压缩软件，在分期分轨录音时每样乐器的频段都可得到有效 控制，声音会显得异常饱满。(但要注意，压缩器使用的同时也会让您损 失一部分高频，必须要自己把握好。) 值得一提的是电子管(TUBE)压缩器、均衡器、音箱。如果系统中采用“模 拟-电子管-压缩”模式的信号处理链，那么，要得到饱满而华丽的音质是 太容易了。可惜太过昂贵，且不方便。

不管甚麼东西,在最大值时压缩量不要超过5db.

Attack time和Release time一般在几毫秒到几百毫秒之间.
波形顶部越尖的波峰，ratio越大，比如底鼓.波形体越宽的波峰,ratio越小,比如弦乐、人声.
多轨录音的概念
多轨录音,顾名思义就是分许多轨将乐器和人声分别录进电脑.将来在经过合成后缩混为一个成品.

　　多轨录音的作用和好处非常明显.对于一个歌曲的完成,基本没有说乐队大家一起演奏,一起同步录音的.
因为那样如果一个人出了偏差,全都要重来.而且后期制作的时候,所有的乐器都在一起,没有办法做细的调整.
所以通常的做法是,录音的时候把每一个乐器分轨录进去,分别编辑后,再融合在一起混音输出.
这就是所说的多轨
录音.这样的功能看起来很神秘,实际上类似Cool Edit Pro这样的软件就是做这个用的,

而且使用非常方便和简单.电脑的作用就好象一个多轨数字录音机,并且功能更为强大.


Cool Edit Pro是最适合初学者的多轨录音软件,并且功能很全面实用,

所以在国内外都有很多音乐人使用它来进行录音.


Samplitude 2496 是更加专业的一款多轨录音软件,但是界面过于凌乱,操作也比较复杂,不适合初学者学习.

一般来说,多轨录音的录音顺序是根据个人喜好和习惯来的,没有绝对的限制和要求.




1.根据歌曲速度,用简单的鼓机软件作一个录音节拍,放在第一轨

2.录节奏吉他

3.录贝斯

4.做弦乐和铺底音色

5.录主音吉他

6.录主唱

7.录合声

8.做鼓

9.混音,输出.

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人声和乐器的录音技巧
人声的录制：
1录制人声最好选用专用录制卖可风，因为专业的MIC能够很好的把演唱者声音真实的记录下来这对我们后期的缩混非常有好处。而一般的卡拉OK卖克风过分的夸大中频，而且往往为了不 出杂音，对高频进行削弱，所以不能录出清晰的人声
2耳机方面最好选用封闭较严的监听耳机，以免在在录音过程中将伴奏音乐串入卖克风中。
3话筒的摆放位置：
与口保持水平：可以获得强有力的声音，但气声和喷音较重。
上方俯对着口：强调高音，可以获得明亮的声音
下方仰对着口：可以获得较强的低音

4拾音的距离：近距离拾音话筒与音源之间在1~5CM之间，适于嗓音小的人和通俗歌曲的演唱者。
拾音特点有较强的真实感和亲切感，音色纯净，清晰度高。

中距离拾音话筒与音源之间的距离在5~10CM之间，适于拾取民族唱法的人声，同
样适于中音语调的主持人。拾音特点：语音轻松、活泼、爽朗演唱的乐音则发音
、吐字和共鸣清晰。
远距离拾音：话筒与音源之间的距离在10~20 CM，适于拾取美声唱法的人声。拾音
特点：音色泛音数较多、幅度也比较强，整体音色丰满。

电吉它的录制：

电吉它一般采用线路录音的方式，应注意的是电吉它的线路输出要与声卡的阻抗要匹配，不然会产生较在噪音，接入效果器可以解决这个问题，也可用DI盒，做非平衡转平衡输入，在录制的时候，在不失真的前提下，尽量将输入电平调节到最大。尽量选用较好的线材和较短的连接线，这样可以减少高频的损失。电箱琴和电吉它的录制大致相同。

木吉它的录制：

木吉它一般采用卖克风录音的方法，可以放置俩只话筒，一只对准音空，大约在10-20 CM进行拾音
另一只在靠近琴品处放置一个卖克风，这样能够拾取比较真的声音。
电贝司的录制：
电贝司的录音方法和电吉它的方法大致相同，均衡方面可在低频进行提升，如果是敲击弦可在4-7 KHZ做一些提升。
键盘/合成器录制：
键盘/合成器采用线路录音，内效果器不要给的过大，这样会给后期制作带来麻烦，有条件的还可以连接一个放大器，这样可得到比较好的动态范围。
鼓的录制：

在录制的乐器里，鼓的录制相对难度较高，在不同的设备和不同场地，对鼓的录制也不尽相同。下面我们来做一个详细介绍。
底鼓：底鼓俗称(低音大鼓)录制底鼓可用动圈话筒进行拾音，在前面鼓膜的膜面10cm左右稍偏离鼓面的中心位置;如果是开孔的
鼓膜，可将录音话筒稍稍伸入鼓膜内放置，也可将话筒放置到鼓膜内一定位置。

军鼓：军鼓可用动圈卖克风，和军鼓的鼓面成30度角，指向稍稍偏离中心位置。放置的位置要牢固不要让鼓手在演奏过程中碰到 。如果想拾取更多的鼓体声，可以增大卖克风和平面的夹角。如果使用的是电容卖克风，距离可以离的稍远一些。

通通鼓：通通鼓可使用动圈卖克风，可以稍稍离鼓面近一些，卖克风与鼓面夹角大约在45度左右。如果想拾取更多的鼓体声，可 增大夹角来实现。
踩钹和吊钹：踩钹一般用电容卖克风，拾音距离在15cm左右，角度在45-90度，钹类的拾音可使用俩个电容卖克风俩个卖克风之 间的距离在几十厘米左右，也可使用俩只全指向型电容卖克风，距离2-3米左右各放置一个。

对人声音色的再调节调音技巧

无 论人声、歌声，还是乐器的声音，它们都不是一个单音，而是一个复合音。也就是由声音的基音和一系列的泛音所构成。这些泛音都是基音频率的位数，物理学叫分音，电声学叫谐波，音乐中叫泛音。它对音色的特性有非常重要的影响。这些泛音的数量和泛音幅茺的不同构成音色的频率特性曲线。这条曲线就体再了音色的表现力。例如，钢琴的最低音频率是27.5Hz,最高音频率是4186Hz，而钢琴有十几个泛音，它的高频可达10kHx~20kHz，一般可测到16个泛音或24个泛音。这些泛音可分为低频泛音、中频泛音和高频泛音，。如果低频泛音的幅度较强，音色就表现得混厚；中频泛音的幅度比较强，音色就表现得圆润、自然、和谐；高频泛音的幅度比较强，音色就表现得明亮、清透、解析力强。
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频谱曲线，就是将音色的各泛凌晨幅度的顶点在坐标上连接起来，这个包路线就是这个凌晨色的频谱曲线。
一个音色的频谱曲线各不相同，这和发声体的物质结构、状态和发声的力度以及共振体的不同而各不相同。
什么是最佳的音色呢？根据意大利美声学的观点，就是将基音到第16个泛音的强度在坐标上连成一条直线，这条直线就被称为最佳美声线，如图2所示。那么，哪个音色的频率特性曲线越接近这条直线，哪个音色的低、中、高频泛音的比例也最为均衡，其音色的艺术表现力也最为尚佳。
在对人声的美化、修饰上，可以通过调音台上面的输入通道中的四段均衡器，对音色进行频率处理，来提高音色的艺术表现力。调音台中的四段均衡器分为的4个频段，根据德车柏林音乐研究所资料介绍，它们是：
HF：6-16 kHz，影响音色的表现力、解析力。•
MID HF：600Hz~6 kHz，影响音色的明亮度、清晰度。•
MID• HF：200~600Hz，影响音色和力茺和结实度。
LF：20~200Hz，影响音色的混厚度和丰满度。•
如果高频段频率过弱，其音色就变得色彩、韵味、个性的失落；如果高频段频率过强，音色就会变得尖噪、嘶哑、刺耳。
如果中高频段的频率过弱，音色就变得暗淡、朦胧；如果中高频段的频率过强，其音色就会变得呆板。
如果中低频段的频率过弱，音色会变得空虚、无力、软绵绵的；如果中低频段的频率过强，音色会变得生硬、失去活力。
如果低频段的频率过弱，音色将会变得单薄、苍白；如果低频段的频率过强，音色会变得浑浊不清。
四频段的音色特性如附表所示。
四段均衡器的频率特性
附表：
频段感觉状态 人耳的听觉感受
过低 丰满 过高
6-20kHz 韵味失落 色彩鲜明 富于表现力 尖噪、嘶哑刺耳
600Hz-6kHz 暗淡、朦胧 明亮、清晰 呆板
200-600Hz 空虚无力 圆润有力 生硬
20-200Hz 苍白单溥 丰满、混厚深沉 浑浊不清
要使音色有美感，就要泛音丰富、有层次，使歌声有音响美，听众听起来悦耳动听，提升量不易过强。LF（低音）过量，声音混浊不清；HF（高音）过量，声音尖噪刺耳。提升某一频段后，还工考虑对其他频段的影响，要总体地考虑歌声的清晰度和丰满度。
下面介绍几种曲型人声的调音手法。
1 对主持人的调音
主持人多为小姐，其语音特性是清晰流畅，富于表情。她可以影响观众的情绪，因此要把她的音色调好。
低语调型：轻声细语、感情细腻，可采取近距离拾音，话筒与口型很近，这样可增加亲切感，可拾取纤细、微弱的声调。其缺点是存在近讲效应，低频过强。
具体处理手段：
（1）要衰减LF：在100Hz附近衰减6dB左右，最大可衰减到10dB。
（2）对于MID：在250Hz-2kHz提升3-6dB。250Hz-2kHz是语言的重要频段。
（3）对HF：6KHz以上频段衰减3-6dB，以减小高频噪声。
（4）主持人的话筒不要使用效果处理器进行混响（REV）和回声（ECHO）处理，否则会失去真实感和亲切感。
2 对普通人的调音
在歌厅里，有一些歌唱爱好者和业余歌手，也有一些人仅是娱乐消遗，他们多为自己演唱。其中有的人没有受过基本专业训练，缺乏演唱技巧，甚至有噪音不好和不会使用话筒的人，其中，男声易出现喉音和沙哑，女声易出现气息噪音和声带噪声。
为消除以上现象采用如下具体处理手段。
（1）在100Hz以下要切除，消除低频噪声，使音色更加纯净。
（2）在500-800Hz要小量衰减，使音色不要太生硬。
（3）在MID频段提升3-6dB，以增强明亮度，使声音清晰、明亮；
（4）一般人声音都较低，而且缺乏响度，所以音量要开得大一些；亦可把200-300Hz范围频率加以提升，以增加声音的响度。
业余歌手动态范围不大，勿用自动音量控制。
3 对专业歌手的调音
歌厅里常有专业歌手，被朋友邀请到歌厅里做客，有时唱上两曲为朋友和客人们助兴。专业歌手有响亮的歌喉，从发声、叹息、吐字、共鸣演唱基本功都具有一定的水平，而每人都具有一定的演唱风格。
调音要求：
（1）要了解歌手的音色特点、网络流派，高、中、低泛音特性；
（2）要了解歌手的音域宽度和动态范围；
（3）要熟悉歌曲、歌词感情，调凌晨的基本手法要与歌曲的意境直辖市一致；
（4）要注意歌曲的风格和歌手的演唱情绪；
（5）话筒的档次要高：宽频响、小失真、大动态。
演员站在歌坛上，利用歌坛声场，使其音色既有电声，也有自然声。所以，要求歌坛具有良好的声学特性。
女声：
女声在高频部分容易产生S音（嘶声）；在7-10KHz衰减了3dB，可以消除S音。
男声：
男声音域比女声低一个8度音程，频率低一个倍频，在100Hz衰减了3dB左右，可以增加清晰度。

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在录音电吉他音箱的时候，可以变换麦克风的距离和角度而获得一些音色的改变。

　　在录音电吉他音箱时，最常用的麦克风应该是Shure SM57，麦克风的距离和角度的改变一定会造成音色的影响。
　　几项简单规则是这样：
　　1.距离，距离喇叭单体愈近，获得的低频愈多，愈远低频愈少。
　　一开始的时候，可以尝试把麦克风直接对准喇叭单体的中间，然后靠近到无法再靠近为止，会获得一个很紧很轰的吉他声。但是我们通常会把麦克风拿到距离单体两三吋远的地方，让声音发展开来，录起来的声音比较自然。
　　2.位置，决定距离以后，可以慢慢移动麦克风的位置，从喇叭单体的中间往外缘移动，你会发现，声音开始有很大的改变，通常，那种老摇滚扁扁的破音都是来自喇叭内圈的声音，外圈的声音比较厚。
　　3.角度，如果麦克风的角度和喇叭单体成垂直九十度，那就叫做on axis，如果有偏差就叫做off axis，相同的，你也可以变换麦克风角度，来获得你想要的声音。
重要的几个技巧：
    1.获得「真实」的吉他AMP声音，.当我们把吉他插到AMP上面之后，把手放开不要碰触吉他，你可以听到从AMP里面发出哼声，这个哼声非常重要，将麦克风摆在距离AMP大概30公分到一公尺左右的距离；接着带上耳机，前后左右去移动麦克风，监听从麦克风收进来的声音；当你从耳机听到的哼声和直接从音箱听的哼声非常接近的时候，这个麦克风位置所接收到的声音将是最接近AMP本身发出的声音。很多录音师都使用这个技巧，例如Steve Albini（NIRVANA、GYBE.etc）
Jim Stcott（Tom Petty and Heartbreaker）。
　　2.大家都知道，在吉他讯号上面加上DELAY效果器可以获得比较「宽广深远」的声音，但是不加效果器一样可以获得类似的效果。同时使用两个麦克风，分别录成两轨，彼此大约距离十二英吋会有一毫秒的DELAY，所以可以在不使用效果器的状况下获得DELAY的效果，在Mixdown的时候可以调整pan和level来获得理想中的声音。
　　3.录节奏吉他的时候，最好是同一个部分开录两次，然后pan极左和极右，这样声音会非常的开，而且饱满，千万不要做只录一次然后用复制到另外一轨的事，虽然数字录音功能复制贴上非常简单。另外如果这个session是很大的破音扣录过两遍之后，可以在录一遍没有破音的cleantone，这会让整个session更饱满。
　　其实录音并没有一定的规则，各位可以自行发挥创意和想象力来实验，例如同时使用两支（或以上）的麦克风，分别使用不同的角度和距离，会有意想不到的效果，多做几次以后，就可以找到自己的TONE

我的混音笔记
1.不要作过份的效果处理，特别是混响。越干的声音就越靠前，如果非得把主唱的声音加入大混响彻云霄，可以用Pre-Delay调节干湿比例，使歌声更加自然。
2.不要把低音乐器如Bass、大鼓的声相位置放偏，因为这种高能量的声音平均分配到两个喇叭才能达到最好的效果。而且低音只包含少量甚至没有声音的指向信息。
3.EQ和一些效果器应该在多轨整体播放时加入，因为单独播放某一乐器音色合放不一样。EQ不要加得过份，这样才能使声音更自然，没有失去原来的韵味。
4.不要把太多的乐器放在一个频段里，尤其是中频。声源要好。这时再用EQ来调节器整乐器在频谱上的分布，争取能分给每一乐器一定的频谱空间。如摇滚乐中的声学吉它，如果你拉下低频，声音的定位会更加清晰，但缩得太干净。噪声门上的滤波器是一个很好的工具，它使界线不那样清楚。
5.EQ不要提升或衰减得过份，当你做明显的音调改变时，外接的均衡器要比调音台上的好，使用EQ时，尽量衰减而不是提升，人类听觉系统对衰减有较少的敏感。
6.对人声进行压缩使之在最终混音里音量的统一，很少有歌手不用压缩器能够保持 音量的平稳。“Soft-Knee”让你觉得效果不是太突兀。但是如果压缩时考虑温暖和激励效果时，可以用“Opto-compress”和“Hard-Knee”，并加以高的压缩比。压缩会增加背景噪声。高压缩比还会夸大齿音。
7.在声部较多的音乐中，中频乐器如失真吉它、Pad一定要给歌声让出频谱空间，歌声出来后，与之频段相近的乐器声需降下-3dB，这样整曲才有清晰度和层次感。使用门限器和压缩器中特别快的Attack和Release值，Release值如果太小可能会造成增益抽吸效果。
8.混音必须要掌握的公式
一.鼓和贝斯：在一首流行或摇滚歌曲里，底鼓、军鼓、贝斯构成了歌曲的感觉、风格，是除了主唱外最显著的部分。
我们先从底鼓开始吧，音量调到-3db（从立体声总输出看）。如果需要一些冲劲可以在用均衡器在2.5khz提升一点；如果听起来有些发闷可以在300hz衰减一点。
接下来调节贝斯，逐渐提升音量直到与底鼓融为一体，听起来就好像在你的胸腔上敲打一样。现在该加入军鼓了，音量接近但不要超过底鼓、贝斯。加一点板式或房间混响（plate or room reverb），延迟时间可以设为1秒。加入桶鼓（tom）、钹（cymbal），调节声像：钹1、高音桶鼓（high tom）都放在左边，中音桶鼓（mid tom）放在中间，钹2、低音桶鼓（floor tom）放在右边。如果你的桶鼓听起来象在敲纸板箱，可以用均衡在低音区提升一点、在300-500hz衰减一点、在高端提升一点增加啪啪声。对于钗（hi-hat），我通常不作过多的处理，它往往可以自恰于音乐中。
二.其他乐器：鼓和贝斯调好后，就可以加入其他乐器了。
电吉他： 声像放在靠近最左面，加一个短暂的延时效果器发送到最右面，音量小一些，这样你就可以得到一个宽广、响亮的电吉他了。
古典吉他：声像放在右边，少加一点谐波效果器（译者注：应该是指吉他用的激励器）。将吉他复制一轨，音调稍微下调一点，声像放在 左边。这样不用提升音量就可以得到一个宽广、响亮的古典吉他声音。这就是混音的秘诀。
钢琴：我通常从弹奏者的角度来处理。但如果在左边有吉他，我就不会把钢琴的低音键与吉他放在同一位置，而是比吉他稍微靠右一点， 比如说把低音键放到左30度，高音键放到右30度，这样就不会打架。为了使钢琴的高音清脆、低音有力，可以加一个立体声压缩器 ，启动时间（attack time）快一些，释放时间（release time）长一些。接下来你可以再添加一些乐器，但要记住它们在空间上不能 打架。
三.背景人声：
假设有两轨背景人声，每轨有三人合唱，想让他们听起来象天使就这样做：将一轨的声像调到极左，另一组调到极右，用滤波器过滤掉一些中低频率。最好再加一些立体声混响，比如说延迟时间为1.5秒的板式混响（plate reverb）。
四.主唱：声像当然在正中间，音量调大。
近些年主唱好象趋向“干”，所以可以不用混响，或稍加一些板式或室内混响（plate or chamber），延迟时间要短。也可以在主唱上加一点延时效果，这样可以使之听起来显著，而不用提升太大音量。是的，不用提升太大音量就使各种乐器听起来壮观、层次分明是混音的真正技巧，均衡是做这项工作的极佳工具，但要理解均衡对每种乐器的作用需要花些时间多听

825405166

spzhanglang

很有帮助，收藏了，谢谢

ywhebin

这个好像很值得学习

李大龙来也

[em13] [em13]

12309779

獲益良多

rohns

学习了。

blue2003007

学习学习~

小和煦

学习

小和煦

真是好贴

死亡民谣

收藏！！太好了！！

冷秋

这么长,终于看完了.谢谢分享

c3218938

经典好帖。。。学习了

手工精品

T！ilion

马克
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guitarjiu

好贴好贴 学习了难道没精华吗

越塔强杀

MARK! 这个厉害!。。

Y-2

Anodize

看得直迷糊