三个音乐时期（转贴）

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巴罗克时期的音乐指1600-1750年间欧洲音乐所经历的一个时期。
    “巴罗克”一词可能来自葡萄牙文，意为一粒不规则形状的珍珠。在这一个半世纪中，音乐发展的进程又可分为三个时期，而每个时期为五十年，即早期，中期和晚期。 巴罗克时期是群王专制的时代，全欧洲的君王们都有以宏伟壮丽的凡尔赛宫为榜样。它集中体现了一种生活方式，在这种生活方式中的所有艺术家都是为统治者服务的。大大小小的宫廷都维持着精选的音乐家机构，其中包括歌剧团，教堂唱诗班和乐队。
    在这个时代，出现了风格流派的种种不同形式，但意有一引起是主导的风格。 这就是教堂的，室内乐的和歌剧院的。然而，风格上的派别并不妨碍相互之间的借用，正象歌剧院风格被引入到室内乐或教堂那样。
    数字低音为作曲家和演奏家所通用，它也称通奏低音。由于音乐家很快就熟悉了基本的和声，因此没有必要将和声完整地写出来。只须用数字在声部的上方或下方写出出来，以表示某一和弦。    它快捷方便，以至于应用广泛且影响了整个巴罗克时期，因此，巴罗克时期通常被认为是数字低音时期。数字低音至少由两名演奏家演奏，一人用低音乐器（大提琴、低音提琴、大管等）演奏低音线条，而另一人用和声性乐器（管风琴、拨弦古钢琴等）来填充和声。
    当时用于演出的乐谱都是手稿，用这种缩写的形式来写出谱，对作曲家是便利的，同时修改和补充某些音乐细节也是不困难的。如果你发现一位巴罗克时期的音乐大师曾写出数百部清唱剧和数十部歌剧时，可能觉得不可思议，实际上这是数字低音的功劳。
    歌剧是这一时期的产物。1600年，出现了单声乐曲，即一名歌手在伴奏下演唱，它是一个重要标志，它表明音乐的织体形式从几个同等重要的旋律而构成的织体转向由单一旋律支配的织体。即复调音乐转移到主调音乐。而这种转变是经过了漫长时间的酝酿。 同样，作为音高组织基础的调式系统也发生了革命性的变化。 中世纪的教会调调式逐渐演变为两种结构的调式--大调式和小调式。它是为适应新的音乐风格所作的必然变化，即从复调音乐转向主调音乐所必须的清晰明了的和声系统。   这样，稳定和弦与不稳定和弦，协和与不协和，中心与倾向中心再由此扩展到调性关系的层次，成为构成大型曲式的重要因素。变就是大小调和声的功能。巴罗克的作曲家们很快掌握了和声，而日益增长的和声感觉使他们对不协和的处理更为自由，以此来表达感情紧张度的增长以及响应的表现力。例如对某些富有表现的语句，作曲家用不协和音来加强效果。
    他们已经掌握了用自然和声表现幸福的情感，而用半音和声表现极度的痛苦。
    应该说，巴罗克音乐经历了全部音乐史中最有意义的改革，它迎来了和声时代的曙光。
    不可忽视的是，促成半音和声的物理条件有赖于乐器的改进。由于历史上的律制为自然律，键盘乐器的定单也依赖这一定律。由于历史上的律师制为自然律，键盘乐器的定音也依赖这一定律。由于历史上的律制为自然律，键盘乐器的定音也依赖这一定律。在转向相隔三个升号或三个降号时，沿能保持纯正的音高，然而转向更远的调时，音高就越来越不准了。为了解决这一问题，有人将一个八度内的某些高音稍作改变，使用十二音各香之间的音差完全一致。这种定律叫“平均律”。这样，作曲家就有了从某调转到任何调上的客观条件。
      巴罗克时期产生了许多大音乐家。而最著名的当数亨德尔和巴赫以及蒙特维尔第。亨德尔在当今看来，恢复生产是“清唱剧”的同义词，由于不受舞台环境的限制，这使他更充分地发挥音乐的表现力，从而创造了一种宏伟的音乐风格；巴赫则找到了用音乐概括哲理和诉诸武力心理的形式，他将巴罗克音乐推向顶峰，展现了壮丽的对位风格结构；蒙特维尔第作为意大利作曲家最重要的代表，由于他的创造，使意大利歌剧走向戏剧化并使其形式定型。
古典时期音乐    大约从１８世纪中后叶海顿的带助奏性声部的主调音乐至19世纪初的贝多芬晚期的开端为止的这一时期，产生了维也纳古典乐派,由三位伟大的作曲家组成,即海顿、莫扎特、和贝多芬。 海顿、莫扎特和贝多芬的音乐创作及风格方面较为接近，所以三者被称为一派。而海顿在创造这种风格方面可谓开先河之人。 １８世纪７０年代，他独具匠心地把悦耳、优美的曲调（即华丽风格）与先前他不太愿意，但以不得不使用的高深的对位技法加以综合，从而在艺术 上有所突破，他的音乐语言中吸收了巴赫音乐的幻想性和叙述式主题及其发展技巧。同样在１８世纪７０年代，莫扎特紧紧追随海顿，创作了他的四重奏和交响曲，以及题献给海顿的６首四重奏足以证明他们之间的亲密关系。在综合其它创作手法上面，由他们完成的有在表现主题时，运用各种力度和音色；运用各种和声节奏以安排大型曲式结构；运用转调告成音乐更大的张弛起伏，并机智、巧妙地以典型奥地利方式将喜剧性和严肃融洽为一体。   
      贝多芬在其音乐方面也有其相同之处。他曾随海顿学习过作曲，在他的早期或中期创作中也体现出这些风格牲。
    然而，他时时都显露出富有创造性的天赋，他不仅在主题及其展开以及在和声的张弛度上继承发展了前两位大师传统，而且在丰富同甘共苦结构上经及完备现代管弦乐队编制等方面都取得了经典性的成就。总之，他们完美了由理发和逻辑产生出来的庞大构思，其整体结构又十分灵活，足以让多样化的情感得以自由体现。 古典时期的声乐创作异常活跃，歌剧院几乎是古典主义音乐家的实验中心。歌剧是音乐艺术的最重要的分支，它拥有最广泛的观众。古典主义歌剧所根据的原则与后来的浪漫主义歌剧的原则不同，它的形式影响了戏剧，每一声都是一个完整的音乐单元。分隔开的唱段是作为事例的一部分而构思出来的，它们在一个经过仔细计划的结构中结合在一起。在宣叙调的快速台词与咏叹调的抒情旋律之间存在着很大的区别。人声占有至高无上的地位，但乐队也显示出了器乐风格的所有活力。
          古典时期的器乐创作得到了空前发展。今天的管弦乐队是由他们创立的。它们由四个乐器组构成的。乐队的核心是弦乐组，木管组仅次于弦乐组，大师们富有想象地使用它们：铜管用来持续和声，是整体音响的躯干；定音鼓是节奏的支柱，使节奏脸有省略。18世纪的乐队中有30--40名演奏者，选择这种音量的乐队仍是属沙龙性质的。这时期伤口的规模较之浪漫主义伤口要小。在配器上呈现出勃勃生机，使所有乐器都可以活跃地参加演奏。在各乐器组里的主题交替演奏和相互模仿，像是兴奋的对话。渐强、渐弱成为新交响风格的主要特征。同样，强与弱的突然转变、闯入的重音、戏剧性的休止、震音和拨弦的运用也都成为其特点。交响曲占据了古典器乐音乐的中心地位，在规模和意义方面发展迅速，成为最重要的音乐形式，乃至影响着后来的浪漫主义。协奏曲也有重要的地位，这种乐曲把独奏的华丽色彩与乐队的能力结合在一起。钢琴协奏曲是这种乐曲的主要形式，但其它种类的独奏乐器也沿用被忽视。   
        与此同时，室内乐在古典时期结出了丰硕的果实，其表情十分细腻、亲切，凝聚着高雅清新的情调。比较交响曲，其中采用复调写法的地方，织体更为浓密，半音化更加突出旋律，大胆地使用不协和和弦等。
    另外，小夜曲、嬉戏曲、进行曲在演奏形式上似乎介于室内乐与交响曲之间，他们在富人的住宅外面，或在一个安静的广场为欣赏他们演出的市民演出。随着钢琴制作的改进，现代钢琴取代了拨弦古钢琴和击弦古钢琴成为一种家庭乐器。钢琴奏鸣曲成为独奏音乐伤口中最受欢迎的形式，作曲家在这种形式中形成了键盘风格和奏鸣曲结构的新概念。他们的交响曲、协奏曲、钢琴奏鸣曲、二重奏、弦乐四重奏及其它类型的伤口仍然成为后来者的卓越楷模。 总之，古典时期的音乐是18世纪音乐的突破和发展。这种纯净而明朗的艺术体现了理发和有秩序的音乐思维。这个世界的外表是大自然的美丽，它的内部法则是理性般的明晰。古典主义大师在情感和理智、心灵与思想之间取得了完美的平衡。
浪漫时期的音乐    19世纪上半个世纪，在欧洲产生了一种新的音乐潮流和创作风格，它的影响一直延续到19世纪后半叶。
    浪漫主义音乐的产生，有其深刻的社会历史背景。在过去的百年间，城市作为人类最文明的栖息环境，有秩序的社会提供了人们在精神上有理性的交往及思想上交流的可能性。尤其是宗教对人的行为甚至思想的束缚，使艺术家的创作在压抑中有了转向的欲望。约翰逊博士认为，自然这一概念意味着未开化状态或者是一个古老的神话，它本身具有一种力量，当它好的品质发挥作用时给人以善，而它没有理性因素发挥作用时却带来破坏性。由此带来了从理性转向为可理解的神秘和超自然力。音乐家的眼光开始投向自然，在那里投入自己的情感。在所有艺术中，音乐被绝大多数的画家、诗人和哲学家认为是最理想的形式，这种观点在德国更为盛行。这是由于音乐似乎能以最不明确的方式来表达最多的内容，而且由于它存在于时间中，因此有条件来表现感情状态中的流动、变化发展及活动。
    艺术观念的变化，也带来音乐的技法方面的变化，虽然调性和声在19世纪的和声规则仍然起主导作用，但是浪漫主义的宗旨是要在调性和声系统不崩溃的情况下尽可能地将它扩展。因此，从贝多芬开始对远关系调的探索便是必然发生的事了，包括使用等音变化在内的更为流畅的转调，伴随日益增多的和声节奏的变化。   
      由于使用变化产和附加音，大量啬没有准备的和不解决的一协和和弦，以及七和弦、九和弦、十一和弦、十三和弦的使用，调性和声扩展了。以至于到了李斯特、肖邦、瓦格纳的晚期创作，其各自通过不同途径达到调性和声的更远边缘。
    旋律也获得了新的意义。歌剧和歌曲日益被重视，激励了歌唱家，又因此使旋律从18世纪及18世纪以前的炫技性因素变为更多地去适应表情上的需要，无论是贝利尼的意大利歌剧中长而蜿蜒起伏的旋律，或是舒伯特、柴可夫斯基交响曲中的歌唱旋律，虽然歌唱性旋律并非19世纪的创造，但这是浪漫主义音乐的一个特点。
    乐队编制基本保留了18世纪时的比例，但是范围和规模有了极大的发展，更多地重视乐器的个性色彩是浪漫主义音乐的特点。另一个特点是寻求音色上的圆润和精致的混合。从莫扎特时代的双管队扩大到马勒、施特劳斯等人用120个甚至更多的乐器，包括使用非常规的乐器。
    浪漫时期产生了许多杰出的音乐家，他们在音乐史上占有极其重要的地位，他们的作品已成为世界文明宝库中的珍品。