吉他英雄
  
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贝司旋律线的含义：贝司的编曲一般来说都是以单音为主，而不像吉他手常常要同时处理2个以上的音，而贝司弹奏的一个一个的单音，就像是点一样，许许多多的点连结起来就像是一条线，所以我们称之为贝司旋律线，而当你听音乐时,贝司旋律线就像是音乐的骨架般支撑起整个音乐。
而关于贝司旋律线的编曲，我们可以从节奏(Rhythm)和和声(Harmony)二个方向来讨论，首先关於节奏的部分，有如下之说明：
节奏(Rhythm)
节奏是音乐的三个基本要素之一(melody旋律，harmony和声，rhythm节奏)，节奏对於音乐的感觉往往是最直接明显的，也许同样的音乐，当它使用不同的节奏时，音乐的表情会有不一样的结果。由此可知节奏的重要性。而关於节奏的部分，身为乐手的我们必须注意下列三点：
稳定性：稳定性包括了速度和力量，而两者没有进步的捷径，为一的方式就是靠平时不间断的练习，以下提供几个练习的方式。 A．练习时要对click练习，速度由慢到快，而且必须确实。如此可加强你的速度和耐力，如果你有130的16分音符实力，那麼当你弹奏100的 16分音符会很轻松，而且稳定。B．在click的设定上，可以由16分音符到8分音符，再到4分音符，2分音符甚至全音符，如果你的设定能够越宽，那麼对於你的节奏感就更能够达到完美稳定的境界。
2.Groove：一个好的乐句，和groove有很深的关系，常常可以发现有的人虽然把bassline编得很花俏，但是确没有特别好听，而有的人可以单单靠几个简单的音，甚至只使用root(根音)，就很好听，这个原因就是差在它的groove，而groove感的培养，建立在基本的拍子练习及对於乐风的熟悉。建议大家可以买台编曲机，通常编曲机都有很多鼓的sample，可以藉此培养groove感。
3. Style：尤於音乐的发展是非常悠久的而且世界性的，因此有著非常多元的种类，而为什麼要把乐风分成这麼多型式呢?一则方便在音乐制作上的沟通，二则藉由分类可以得知音乐在演进的历程上的变化及分支。而对於乐风的熟悉则是靠多听音乐，去感受揣摩，最好不要死背一些style的licks。
合声(Harmony)
合声的观念对於音乐非常重要，以乐团来说，各个乐器的音色及其特性之不同，吉他偏中高频的范围，而贝司偏中低频的范围，若是能加以分配其弹奏的音韵，善加利用每个乐器的特色，则对於音乐的整体效果能更加突出，因此对於一个乐手来说，能够深知自己乐器的特点而加以发挥，并且和其他乐器达成不错的合声效果，是非常重要的。在编曲的观念上，不应该以自己为出发点，而应该从整体的音乐去考虑才是为佳。而关於合声的部分，建议大家应该从以下几个方向去著手。
音程(Interval)的认知及其在指板上的相对位置：
音程(Interval)是任何二个音之间的scale steps，不同的音程其产生的相对感也不同，往往只差一个scale step，其感觉就差很多，因此大家对於音程最好能有一定的感觉，而其培养的方法，就是以一个root为基准，往上或往下去弹奏各个不同音程的音，并将其音程的感觉和指板的位置相呼应，如此一来，久而久之便能培养出一定的相对音感，而当你拥有相对音感时，便能够将你脑海中的旋律快速的反应至琴格上。
2.和弦(Chords)的观念：
和弦(Chords)的观念对於乐手来说是非常重要的，若是不能知道和弦的特性及色彩，则其在编曲上会逊色许多，基本上，和弦主要可分为二类，一为Major和弦，一为Minor和弦。其组成如下：
Major ( Root， Major 3rd， Perfect 5th ) ex：C ( C，E，G )
G ( G，B，D )
F ( F，A，C )
Minor ( Root， Minor 3rd， Perfect 5th ) ex：Am ( A，C，E )
Dm ( D，F，A )
Em ( E，G，B )
若是在和弦与和弦间，能善加利用其和弦内音来作串连，以整体的?#123;性作为编曲的主轴，则编曲上将更能展现Harmony的美妙。
3. 转位：
转位的使用在乐团中是相当重要的，由於乐团中低音的部分主要由贝司来负责，则在Harmony的效果上，可以让音韵的表现有不同的感觉。何谓转位呢? 转位是将和弦的组成顺序改变，以造成不一样的感觉。
以C合弦为例：
C和弦为( C，E，G )
第一转位( E，G，C )
第二转位( G，C，E )
若现有如下的和弦进行
| Cmaj7 | Cmaj7 | Fmaj7 | Fmaj7 |
以转位来分析共有下列几种变化
Cmaj7 \ Fmaj7 不转位 第一转位 第二转位
不转位 C \ F C \ A C \ C
第一转位 E \ F E \ A E \ C
PS：\前表Cmaj7时的bass音，\後表Fmaj7时的bass音
每种转位的组合都有不同的味道，建议大家可以多尝试，并掌握各种不同转位的感觉。
编曲：
至於Bassline的编曲，有些人可能会觉得很头痛，我建议不妨放宽心胸的先从完全弹根音(Root)开始，Root是绝对能够让你的音乐听起来饱满有力的刚开始时，先抓好鼓手的节奏，在你的脑海里建构出一段groove，然後就依照你的groove，及和弦的进行，去弹奏Root，基本上，这样的贝司旋律线就已经很好听了，然後再依照你的感觉，去判断是否要加入Root以外的音，要处理Root以外的音时，5th 和 8th 的使用可以列为优先考虑的对象，因为他们绝对会和谐而不会产生不悦耳的感觉，其次可以考虑3rd ， 7th ，他们则比起5th 和 8th 的处理要稍加用心，但因为还是在和弦内音之内，所以除了和谐之外，更多了不同的色彩。
除此之外，在 2nd ， 4th ， 6th 的使用则以辅助和弦内音为主，因为若是完全使用和弦内音，则bassline进行起来会一直有跳跃的感觉，因为音与音之间的距离较远，若使用2nd ， 4th ， 6th 来串连，例如： 2nd + 3rd， 4th + 5th ，6th + 5th … 等，则能使bassline有较连贯的感觉，而在延伸和弦的部分，如： 9th ， 11th ， 13th ，大家也都可以试著使用看看，能够让你的音域有更大的变化和色彩。
把位：
除了音符的处理之外，还有一个很重要的问题必须要加以考虑的，那就是把位，在前12格里，相同频率的音几乎都各有二个，不同把位的音，虽然具有同样的音高，但却具有不同的音色，例如：同样的C在第3弦第3格，和第4弦第8格，第3弦的C中音较强，而第4弦的低音较强，又例如：第4弦第5格是A，和第3弦空弦A，不只音色上的不同之外，他们的sustain也不相同，第3弦的空弦A sustain会比较久，所以在我们编贝司旋律线这些问题都要考虑进去，而把位的选择和bassline弹奏时的指法也有关系，因为在演奏上，若是较刁难的指法，则容易产生失误的情况。
表情：
当我们考虑上述把位及音符的选择同时，也要考虑到弹奏的表情。这首曲子适合要什麼样的弹奏方式?是Fingering，Picking或是 Slaping & Popping?弹奏时要Soft还是Hard?在音符之间我是否要加入捶音，勾音，滑音或是闷音…等等?曲子进行过程是否要有音量或音色的变化?是否需要使用效果器的特殊音色?这些问题让你能更深入的去注意音乐细部的情绪。
过门：
基本上，过门是一个串连的动作。有人常会为了它伤透脑筋，那是因为他想著要弹出什麼，但是事实上，我们应该要想著，不要去弹出什麼。过门不一定要很花俏，适当的过门才是应该要考量的重点，往往只要与前一段贝司旋律线有稍不一样的感觉，就可以营造出过门的感觉，而过门长度，从四拍，三拍，二拍，一拍…等皆可，甚至连不用过门都可以，完全依曲子进行的感觉为主，当然，在我们编过门时，要注意鼓手的打点，但是完全对照也不一定会好听，你可以在这些打点中，适当的空出几个点，或是在鼓手打点的空隙中加入，往往会有不错的效果。而一般来说，过门音的使用常见的以五声音阶或?#123;?#123;音阶为主，那是因为他们比起自然音阶少了 4度和7度半音的关系，在音乐上比较好处理，但也并非一定要使用到这些音阶。
观念及态度：
注意你的句子和别人相配时是否会嫌太罗嗦。留白及休止符的艺术。不要排斥只弹Root，也不要排斥Solo。
乐团里贝司手负有让节奏和旋律平衡的重责，不要认为Bass手好像都是站在阴暗的角落。
多看别人表演，观摩别人的演出及想法，并走出自己的style。
良好的沟通是乐团成功的开始。
多练习写谱，将自己的贝司旋律线记下来。
不要排斥任何乐风。
音乐是你一辈子的老师，随时去吸收音乐的资讯。
随时激励自己进步，并保持谦虚。
[ 本帖最后由 ono69 于 2012-7-2 07:53 编辑 ] |
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发表于 2012-7-1 14:28:29
